Blast

Manu Larcenet

Il termine "disturbante" viene usato sempre più spesso, a volte pure un po' a sproposito, per descrivere film horror, thriller psicologici o libri particolarmente cupi. Nel caso di Blast di Manu Larcenet, però, direi che è il primo aggettivo che mi è venuto in mente per un'opera che aggredisce emotivamente e psicologicamente chi la legge.

Parliamo di una graphic novel monumentale, circa ottocento pagine complessive, pubblicata originariamente in Francia in quattro volumi tra il 2009 e il 2014, poi tradotti in italiano da Coconino e raccolti nel 2019 in un unico volume cartonato. Io mi sono letto quest'ultimo. Un vero e proprio macigno, anche fisicamente. Ed è singolare che il protagonista di questo enorme volume sia proprio un uomo obeso, dal corpo gigantesco, sgraziato e invadente.

Polza Mancini è grasso, sporco, alcolizzato ed è trattenuto dalla polizia per aver ucciso una donna, Carole Oudinot. Durante l'interrogatorio, due poliziotti cercano di ricostruire quello che è successo e soprattutto di capire chi abbiano realmente davanti.
Da qui parte il lungo racconto della vita di Polza, un tempo scrittore di libri di gastronomia, che alla morte del padre, ucciso dal cancro, abbandona la moglie, il lavoro e la sua vecchia vita per iniziare a vagare nelle campagne, vivendo come un barbone. Gli unici momenti in cui sembra finalmente sentirsi in equilibrio con sé stesso sono quelli che lui chiama «Blast», improvvise esperienze di estasi durante le quali perde il contatto con la realtà, il proprio corpo diventa leggero e davanti ai suoi occhi compaiono enormi Moai, le misteriose statue dell'Isola di Pasqua.

Il corpo è uno dei nuclei centrali di tutto il racconto. Polza detesta il proprio. Non accetta quel corpo gigantesco, sgraziato, sporco, malato. Lo trascina, lo maltratta, cerca quasi di distruggerlo attraverso alcool, droghe, fame, dolore e isolamento. Dopo la morte del padre smette di lavorare, di curarsi, di essere presentabile, di vivere secondo le regole degli altri. Solo che la sua libertà è fatta di solitudine, dipendenza, degrado, violenza e perdita progressiva di qualsiasi riferimento morale. Una libertà portata talmente all'estremo da trasformarsi in autodistruzione. Il suo unico vero obiettivo rimane il «Blast», quell'istante in cui il mondo si ferma, il peso del corpo scompare e lui riesce finalmente a superare i propri limiti fisici e mentali.
Durante il lungo interrogatorio racconta l'isolamento nei boschi, gli incontri con altri emarginati, il soggiorno in una specie di comune, il rapporto con lo spacciatore San Jacky, il ricovero in un ospedale psichiatrico, la fuga e infine l'incontro con Carole.

Nonostante sia esteticamente disgustoso, Polza è intelligentissimo, colto, eloquente, capace di affascinare. Sa trasformare il proprio degrado in qualcosa che somiglia quasi a una ricerca spirituale. Ma Polza è anche un manipolatore, un narratore inaffidabile. Seleziona i ricordi, li deforma, li interpreta. Forse mente. Forse mente soprattutto a sé stesso. Ma i due poliziotti, a differenza di noi lettori, conoscono già la terribile verità che si cela dietro ai suoi racconti. L'interrogatorio serve solo a comprendere le sue motivazioni.

Ed è il finale a rimettere tutto violentemente in prospettiva.

A rendere Blast un'opera così potente contribuisce enormemente il lavoro grafico di Manu Larcenet.
Il fumetto è disegnato prevalentemente in un bianco e nero denso e materico, costruito attraverso acquarelli, matite, chine, chiaroscuri e mezzetinte. È un tipo di illustrazione che personalmente apprezzo molto. I personaggi vengono deformati in maniera grottesca, con nasi enormi, corpi caricaturali, facce quasi ridicole. Solo che, inserite dentro un racconto così cupo, quelle deformazioni perdono qualsiasi componente comica e diventano inquietanti.
Larcenet si prende anche tutto il tempo che gli serve. Ci sono intere sequenze mute dedicate a un bosco, a una strada, alla neve, a un volto immobile. La natura non è mai necessariamente un rifugio rassicurante. Al contrario, può diventare enorme, indifferente, persino minacciosa. È uno di quei fumetti che usano davvero il tempo della pagina e della vignetta, invece di limitarsi a riempirle di dialoghi.

Poi ci sono i «Blast».
In un mondo plumbeo, sporco, fatto quasi interamente di bianco e nero, Larcenet li realizza come esplosioni di colore utilizzando i disegni infantili dei suoi figli. L'effetto è straniante e bellissimo. L'unica esperienza di bellezza assoluta vissuta da un adulto devastato prende la forma visiva dell'immaginazione di un bambino.

Testo e immagini finiscono così per diventare inseparabili.

Per quanto mi riguarda, Blast è un capolavoro assoluto. Un thriller psicologico monumentale, cupo, sporco e allo stesso tempo profondamente poetico, capace di portarci dentro la mente di un uomo alla deriva senza mai dirci esattamente dove finisca la verità e dove inizi la sua personale narrazione del mondo.

Più che un fumetto, è un'esperienza visiva ed emotiva devastante.

Fumetti

È mia la colpa - La vita dei Joy Division

Lorenzo Coltellacci, Mattia Tassaro

Da amante dei Joy Division, questa graphic novel mi rincorreva da un po'. L’avevo già puntata in libreria, ma dopo averla sfogliata l'avevo rimessa sullo scaffale. I disegni proprio non mi attiravano, e se c’è una cosa a cui faccio attenzione quando mi avvicino ai fumetti, o alle graphic novel che dir si voglia, sono proprio le illustrazioni. Altrimenti mi leggo un libro. Alla fine, qualche tempo fa, l'ho ricevuta come regalo, e come si sa, i regali non si rifiutano. Tantomeno i Joy Division.

È mia la colpa - La vita dei Joy Division è scritto da Lorenzo Coltellacci, autore romano con un paio di graphic novel all’attivo, e disegnato dal giovane napoletano Mattia Tassaro, qui, se non sbaglio, alla sua prima prova importante.

La storia racconta l’ascesa dei Joy Division e il declino psicofisico di Ian Curtis. Dalla nascita del nome alle prime esibizioni, dall’incontro con il produttore Martin Hannett alla registrazione di Unknown Pleasures, fino al crescente interesse intorno alla band. E poi la malattia di Ian, l’epilessia diagnosticata nel 1978, i farmaci, le convulsioni sul palco trasformate in danza, il matrimonio che si sgretola, la relazione con Annik Honoré, la tournée americana che non partirà mai. Il 18 maggio 1980, la sera prima di imbarcarsi per gli Stati Uniti, Ian Curtis si toglie la vita nella cucina di casa sua a Macclesfield. Aveva ventitré anni.

Per chi conosce già i fatti, il volume non aggiunge nulla che non sia già stato raccontato. Coltellacci però fa un lavoro onesto e rispettoso, cercando di restituire la psicologia frammentata di Curtis ed evitando la spettacolarizzazione della tragedia. È una scelta coraggiosa, e probabilmente la più giusta.
Sul fronte grafico, purtroppo, la resistenza che avevo avuto sfogliando distrattamente la graphic novel in libreria si è confermata pagina dopo pagina. Lo stile cartoonesco di Mattia Tassaro, dalle evidenti influenze americane, alla Darwyn Cooke per intenderci, è pulito e chiaro, ma secondo me si adatta più a storie umoristiche o avventurose che al racconto di un dramma esistenziale.
Pensavo, sfogliando le tavole, a cosa sarebbe diventata questa storia nelle mani di Pazienza, Tamburini, Liberatore. Autori che quegli anni li hanno vissuti davvero, dall’interno, e che conoscevano il buio non come citazione, ma come esperienza. Gente che avrebbe potuto trovare nel tormento di Ian Curtis una risonanza visiva autentica, non ricostruita. È un confronto impietoso, lo so, e forse un po' ingeneroso nei confronti di Tassaro, che ha tutto il diritto di avere il proprio linguaggio. Ma quando una graphic novel mi porta a immaginare versioni alternative di sé stessa, qualcosa nel connubio tra testo e immagine non ha funzionato fino in fondo.

È mia la colpa è un omaggio sincero, e gli omaggi sinceri meritano rispetto. Però, per chi i Joy Division li conosce già a fondo, non aggiunge granché a ciò che già sa. Per chi invece non conosce la loro storia, consiglierei prima la biografia di Peter Hook, Joy Division. Tutta la storia, e soprattutto il film Control di Anton Corbijn, l’opera che meglio ha saputo tradurre in immagini l’anima di quella musica.

Fumetti

Visione d'inferno

Hideshi Hino

Una mia cara amica, conoscendo la mia passione per Junji Ito, mi ha regalato Visione d'Inferno di Hideshi Hino. Un manga horror, pubblicato dalla Dynit in edizione brossurata, che si legge velocemente, ma che lascia addosso una sensazione strana, quasi vischiosa, sporca, difficile da lavare via

Hideshi Hino è una figura piuttosto particolare nel panorama del manga horror. Attivo soprattutto tra gli anni settanta e ottanta, è considerato uno dei pionieri del genere in Giappone, anche se oggi il suo nome è meno noto rispetto a quello di autori più recenti. Il suo immaginario è fatto di corpi deformi, malattie, sangue e creature grottesche, ma a differenza di molti mangaka contemporanei questo universo sembra nascere da qualcosa di molto personale. Hino è nato nel 1946 nella Manciuria occupata dal Giappone e durante l’infanzia visse direttamente la fuga della sua famiglia nel caos della fine della guerra. Fame, violenza, morte lungo le strade. Immagini che sembrano riaffiorare continuamente nelle sue storie sotto forma di incubi grafici.

In Visione d’Inferno il protagonista è un pittore folle che racconta direttamente al lettore la propria vita mentre lavora alla sua opera definitiva, un gigantesco dipinto dell’inferno sulla Terra. Per realizzarlo utilizza il proprio sangue come colore, incidendosi tagli e lacerazioni fino ad arrivare a ingurgitare acido per vomitare sangue e avere liquido a sufficienza con cui creare le sue folli e visionarie opere.
Il manga si sviluppa come una lunga confessione in cui il pittore ripercorre la propria esistenza e quella della sua famiglia. Una famiglia tutt'altro che normale. Il padre violento, la madre crudele, un ambiente domestico dominato dalla follia e dalla brutalità. A questi ricordi si intrecciano le immagini della fuga dalla Manciuria e le esperienze traumatiche dell’infanzia. Episodi che il protagonista trasforma in una serie di visioni infernali, dove guerra, miseria e crudeltà diventano parte di un unico grande affresco della sofferenza umana.

Dal punto di vista grafico il disegno di Hino è volutamente semplice, quasi infantile. Personaggi dai tratti caricaturali, occhi grandi, linee morbide. Solo che dentro queste immagini succedono cose terribili. Corpi mutilati, deformità, sangue e decomposizione. Il contrasto tra lo stile apparentemente ingenuo e la violenza delle scene produce un effetto straniante, come se una fiaba illustrata fosse stata contaminata da un incubo.
La struttura narrativa, organizzata attorno ai tredici dipinti del pittore, ha il pregio di creare un ritmo ipnotico e riconoscibile, quasi rituale. Ogni capitolo è un quadro, ogni quadro una rappresentazione dell'inferno sulla Terra. Il meccanismo - il pittore spiega il suo dipinto, emergono frammenti di backstory, si aggiunge un nuovo strato di orrore - funziona bene nelle prime sequenze, ma dopo un po' diventa ripetitivo. Il ritmo riprende quota solo nelle ultime tavole, quando il registro cambia e la metafora atomica esplode, letteralmente, in tutta la sua carica emotiva e politica.

Il paragone con Junji Ito viene spontaneo, soprattutto per chi arriva a questo manga partendo proprio dalle sue opere. Ma i due autori lavorano su registri molto diversi. Ito costruisce spesso un horror cosmico e metafisico, fatto di maledizioni, ossessioni e spirali mentali che deformano la realtà. Hino invece rimane ancorato alla materia. Nei suoi manga la paura nasce dalla carne, dal sangue, dalla malattia, dalla vita che si deforma e degenera.
Se Ito affascina per la precisione con cui costruisce i suoi incubi, Hino colpisce per la brutalità delle sue immagini. Non sembra interessato a sedurre il lettore o a costruire un meccanismo narrativo raffinato. Piuttosto dà l’impressione di voler trasformare il fumetto in una specie di confessione visiva, un modo per riversare sulla pagina le proprie ossessioni.

Visione d'Inferno è un'opera notevole, storicamente importante, ma è anche un manga scomodo, a tratti estenuante nella sua insistenza sul macabro fine a sé stesso. Chi si avvicina cercando i brividi eleganti di Junji Ito troverà qualcosa di molto diverso. Chi invece vuole scoprire dove affondano le radici dell'orrore giapponese più estremo troverà in questo volume un passaggio quasi obbligato.

Fumetti

H.P. Lovecraft - Dagon e altri racconti brevi

Sergio Vanello

Fin da adolescente ho sempre avuto un debole per H.P. Lovecraft.
Ogni volta che esce un’edizione particolare, un volume accattivante, sento l’irrefrenabile bisogno di aggiungerlo alla mia libreria. Per fortuna, più che altro per le mie tasche, non sono un collezionista compulsivo. Però sì, uno scaffale intero dedicato a Lovecraft ce l'ho.
Il suo immaginario ha contaminato letteratura, cinema, videogiochi e, naturalmente, anche il fumetto. Non stupisce quindi che nel 2025, per la collana horror della Edizioni NPE, sia arrivato in libreria H.P. Lovecraft – Dagon e altri racconti brevi, in cui Sergio Vanello rielabora otto storie del solitario di Providence con uno sguardo personale e pittorico.

Si passa dall’orrore marino e viscerale di Dagon, con quel naufrago alla deriva che approda su una terra melmosa abitata da qualcosa di antico e innominabile, alle atmosfere sospese e quasi fiabesche di Celephaïs. Dalle geometrie impossibili di Dall’altrove alla desolazione ancestrale de La città senza nome. E poi ancora il delirio di Hypnos, il grottesco nero di Nella cripta, la contaminazione silenziosa de Il colore venuto dallo spazio e l’incubo domestico de I sogni nella casa stregata. Otto frammenti di abisso, concentrati in poche pagine ciascuno.

Vanello, che è pittore oltre che fumettista, alterna tavole in bianco e nero a china a interventi ad acquerello, scegliendo di volta in volta il registro visivo più adatto al racconto. Il risultato è un volume graficamente vario, mai monotono, che cerca per ogni storia una propria identità. I racconti sono brevissimi, sette o otto pagine al massimo, e come ricorda Paolo Di Orazio nella prefazione, richiamano alla mente i vecchi fumetti horror americani degli anni cinquanta, quelli della EC Comics o della Warren, per intenderci.
A mio parere l’anima del progetto avrebbe respirato meglio in un’edizione più popolare, magari brossurata, più economica, capace di evocare quelle riviste antologiche da edicola. Ma il fumetto popolare, ormai, è quasi un ricordo e come sappiamo il mercato si è spostato verso la graphic novel da libreria.

In conclusione, non è il miglior adattamento lovecraftiano che mi sia capitato tra le mani, ma è un modo piacevole per rileggere otto storie realizzate attraverso uno sguardo artistico coerente e personale.

Fumetti

Uzumaki

Junji Ito

Junji Ito, il maestro del body horror giapponese, è senza ombra di dubbio il mio mangaka preferito.
Dopo Tomie e un paio di suoi volumi antologici, ho da poco terminato Uzumaki, una serie horror – raccolta in due corposi volumi pubblicati da Star Comics – che ruota letteralmente e ossessivamente attorno alla figura della spirale.
Personalmente, la spirale è una forma geometrica che mi ha sempre affascinato, tanto da ricorrere spesso nei miei lavori grafici, nei video e, come è evidente, nel simbolo scelto per questo blog. Sequenza aurea e armonica, è una forma che sembra semplice, ma che contiene in sé un movimento ipnotico, una tensione verso l’infinito. Non a caso è una delle strutture più presenti nel mondo naturale e cosmico: dalle conchiglie ai cicloni, dalla disposizione dei semi di un girasole alle galassie lontane. È un simbolo primordiale, archetipico. Una forma a cui sono molto legato e che si è consolidata da quando, alla fine del secolo scorso, ho visto un vecchio film di Aronofsky, del quale prima o poi dovrò proprio parlare.

Uzumaki – che significa appunto spirale o vortice –  è ambientato nella fittizia cittadina costiera di Kurouzu-cho, un luogo avvolto da una nebbia perenne e da un’atmosfera inquietante. Protagonisti sono Kirie Goshima, una liceale del posto, e il suo fidanzato Shuichi Saito, i quali si accorgono che la loro città è vittima di una maledizione legata alle spirali. Questa forma geometrica, inizialmente innocua, comincia a manifestarsi ovunque, generando comportamenti ossessivi negli abitanti, a partire dal padre di Shuichi.
Man mano che la maledizione si intensifica, gli abitanti sviluppano fissazioni patologiche per le spirali, che li conducono a grottesche trasformazioni fisiche e mentali. Alcuni si tramutano in creature simili a lumache, altri vengono risucchiati da improvvisi tornado, mentre l’ambiente stesso della città si deforma in strutture spiraliformi. Kirie e Shuichi tentano disperatamente di sfuggire a questa spirale di follia, ma scoprono che la maledizione ha radici profonde e antiche, legate a una città sotterranea composta interamente da spirali.

Uzumaki è uno di quei manga che ti prende piano piano, poi ti strizza come un asciugamano e infine ti lascia lì, con la testa che gira, come se ti trovassi dentro una lavatrice durante la centrifuga. All’inizio sembra una raccolta di storie brevi, una più assurda dell’altra, con gente che si attorciglia, si trasforma in lumaca, viene risucchiata nei capelli o finisce inglobata nei muri. Ma più vai avanti e più ti rendi conto che tutto si incastra, o meglio si avvita, proprio come una spirale. Questa struttura ripetitiva, che alla lunga potrebbe anche annoiare, è in realtà una scelta precisa. Un incubo da cui non riesci a svegliarti. Come quei sogni in cui ti ritrovi a girare sempre intorno allo stesso punto, senza riuscire a uscirne.
A colpire davvero, però, è l’aspetto visivo. Il tratto di Ito è super dettagliato, iper realistico, e rende ogni trasformazione, ogni incubo, incredibilmente credibile. Carne che si torce, occhi che esplodono, corpi che si fondono. Disturbante – sì, lo so che è un termine che disturba – ma anche bellissimo.
Il riferimento all’horror cosmico di Lovecraft è evidente. L’idea che esista una forza arcana e inafferrabile – impersonata qui dalla spirale – che agisce al di là della comprensione umana, e che riduce l’essere umano a una semplice pedina. Ma c’è anche un tocco alla Stephen King, con la cittadina che diventa essa stessa l’origine del male. Kurouzu-cho non è solo il teatro della follia, è l’epicentro stesso della maledizione. Una protagonista silenziosa che osserva tutto mentre il mondo si decompone.
E poi c’è la spirale, ovunque. Di solito simbolo positivo di equilibrio, perfezione, ciclicità. Qui diventa il contrario. Perversione, follia, marcescenza. Junji Ito prende una forma rassicurante e la trasforma in incubo. E ci riesce maledettamente bene.

Dal manga Uzumaki è stato tratto un omonimo film nel 2000, che non ho ancora visto, un paio di videogiochi, e un anime in 4 episodi uscito recentemente su Netflix.

Fumetti

Lovecraft. Memorie dall'abisso

Hans Rodionoff, Keith Giffen, Enrique Breccia

Howard Phillips Lovecraft è il padre dell’orrore cosmico, l’uomo che ha trasformato la paura dell’ignoto in letteratura. Le sue visioni di divinità aliene e mondi insondabili hanno influenzato generazioni di autori, rendendolo una figura mitica della narrativa horror e weird.

Di recente, Rizzoli Lizard ha ripubblicato una graphic novel dedicata a Lovecraft che mescolando biografia e immaginazione lascia intendere che il mondo orrorifico dei suoi racconti non fosse stato solo frutto della fantasia, ma presenze reali nella vita di un uomo tormentato dagli incubi. Quando l’ho vista in libreria, l’ho acquistata senza pensarci due volte. Solo una volta tornato a casa mi è venuto un dubbio che l’avevo già. E infatti, eccola lì, la prima edizione targata Magic Press, uscita nei primi anni duemila e probabilmente fuori catalogo. Vabbè, ormai il danno era fatto. Tanto valeva rilleggerla e immergermi nelle sue bellissime illustrazioni.

Tutto nasce da una sceneggiatura cinematografica scritta da Hans Rodionoff per un film su Lovecraft mai realizzato. La Vertigo, storica etichetta adulta della DC Comics, decide di trasformarla in fumetto, affidando la riscrittura a Keith Giffen, celebre co-creatore di Lobo, e le illustrazioni a Enrique Breccia, figlio del leggendario Alberto Breccia – autore del classico I miti di Cthulhu.

La storia si svolge negli anni ’20 e ci presenta un giovane Lovecraft, inconsapevole custode del Necronomicon, il famigerato tomo maledetto. Dall’infanzia difficile – con una madre soffocante che lo veste da bambina – fino ai tormenti dell’età adulta, il racconto scava nella mente di uno scrittore dannato, divorato dalle sue stesse visioni. 

Se la narrazione oscilla tra biografia e incubo, anche le illustrazioni di Enrique Breccia seguono lo stesso principio. Nei momenti più realistici il tratto è dettagliato e denso, poi, quando l’orrore prende il sopravvento, la tavola esplode in un vortice psichedelico dai contorni sfumati e dai colori distorti, restituendo alla perfezione l’inquietudine visionaria delle opere lovecraftiane.

Un acquisto obbligato per tutti gli amanti del Genio di Providence. E chissà, magari un giorno qualcuno realizzerà davvero quel film.

Fumetti

Pazzia

JiokE

Pazzia, graphic novel d’esordio di Giovanni dell’Oro, in arte Jioke, contiene una decina di racconti brevi tutti riconducibili al genere horror. I protagonisti però non sono mostri o creature demoniache, nulla di tutto questo, l'orrore si manifesta nella follia e nella crudeltà dell'essere umano che compie efferrati atti di violenza riversando sui più deboli, anche e sopratutto sui bambini, la propria pazzia e frustrazione senza un apparente motivo. L'orrore sta proprio nella cruda realtà di queste scheggie impazzite, la cui follia, se non è provocata da qualche fungo allucinogeno, si trova nella debolezza e nell'oscuro abisso dell'animo umano.
 
E' una graphic novel profondamente disturbante che pagina dopo pagina ti trasmette un angoscia in un crescendo che trova il suo acuto in "30 giorni in paradiso", il racconto più lungo che conclude il volume.

Sicuramente non è una lettura facile da affrontare. In queste brevi storie non c'è alcun appiglio, nessuna consolazione. Il fatto che spesso le vittime siano bambini, uccisi da ragazzi poco più grandi di loro, dalla stessa 'morte' (un possibile omaggio alla Death di Gaiman?) oppure dai propri genitori (la cruda realtà che spesso si legge nelle pagine della cronaca nera), rende chiaro quanto questa lettura sia disturbante ed emotivamente pesante.

Per quanto riguarda l'aspetto visivo, i disegni di JiokE sono davvero intriganti e di grande impatto. È uno stile che sento molto vicino al mio e che, per certi versi, si avvicina ai disegni che facevo in passato. I personaggi sono rappresentati come manichini, con uno stile 'infantile' dalle spiccate influenze nipponiche, dove le figure e le forme sono riempite da un fitto ed elaborato tratteggio.

Pubblicato nel 2020 da Edizioni BD, "Pazzia" di JiokE è un piccolo gioiello privo di luce, nero come la disperazione. Tenere lontano dalla portata dei bambini.

Fumetti

Tomie

Junji Ito

Pubblicato da J-Pop nel 2017 questo corposo volume - siamo intorno alle 700 pagine - raccoglie una ventina di storie scritte e disegnate da Junji Ito tra il 1987 e il 2001. Protagonista è Tomie, una giovane ragazza poco più che adolescente, che con la sua bellezza e il suo fascino riesce a far innamorare ogni uomo che incontri, per poi portarlo alla follia e all'incomprensibile desiderio di ucciderla e farla brutalmente a pezzi. La particolare caratteristica di Tomie è che la ragazzina possiede delle strabilianti capacità rigenerative che gli permettono non solo di guarire in tempi brevi da ogni ferita, ma addirittura di riprodurre un'altra copia di se stessa da ogni pezzo del suo corpo mutilato. Non si capisce bene se sia una mutante, un demone, oppure un immortale parassita. La cosa certa è che Tomie è una seducente manipolatrice dall'irresistibile bellezza e dall'anima crudele, una giovane viziata, vanitosa, cinica e arrogante, che si nutre di consenso e ammirazione e il cui unico scopo è quello di provocare una sfrenata passione, soprattutto tra gli uomini, che si conclude con accessi di follia omicida, sangue e mutilazioni.

Nelle storie di Junji Ito il desiderio sessuale viene sostituito dalla morte e dall'annichilimento. Gli uomini, tutti umiliati e privati della loro virilità, sono dei manichini dagli occhi cerchiati che manifestano il loro amore malato e ossessivo per la spietata ragazza trovando appagamento e soddisfazione solo nella sua morte e nella negazione della sua femminilità. Un perpetuo femminicidio dove il corpo della donna viene mutilato e ridotto a pezzi, poiché solo così il maschio riesce ad affermare sé stesso e possedere ciò che non può avere né controllare.
E' una tematica forte che però Junji Ito esplora fino a un certo punto preferendo ripetere in ogni episodio l'orrore ciclico di morte e rinascita della nostra protagonista senza soffermarsi sul lato psicologico e sugli istinti primordiali nei confronti del sesso di una società giapponese pudica e repressiva.

Le storie che compongono questo volume sono quasi tutte autoconclusive e se c'è una trama che li unisce risulta sottile e poco delineata. I primi episodi, realizzati da Junji Ito al suo esordio come mangaka, risultano semplici e acerbi ma pagina dopo pagina sia la scrittura che i suoi disegni si fanno sempre più dettagliati, disturbanti e visionari fino ad acquisire quell'inconfondibile stile artistico che lo ha consacrato in tutto il mondo come l'indiscusso maestro del manga horror contemporaneo.

Da questo manga sono stati realizzati ben nove film, tutti scritti sotto la supervisione dello stesso Ito, che vorrei presto recuperare.

 

Fumetti

Batman: Il lungo Halloween

Jeph Loeb, Tim Sale

Batman: Il lungo Halloween è considerata una delle graphic novel più importanti del Cavaliere Oscuro. Il volume - io ho quello pubblicato dalla Lion nel 2010 ma in tempi recenti ne sono uscite diverse edizioni - si compone di tredici capitoli usciti negli Stati Uniti nell'omonima miniserie del 1997.

Gli autori sono lo scrittore Jeph Loeb e il disegnatore Tim Sale che insieme hanno realizzato alcune delle migliori storie della DC Comics e della Marvel. 

La storia si svolge subito dopo gli eventi di Batman: Anno Uno di Frank Miller, quindi durante i primi anni di carriera di Batman, e vede il nostro protagonista allearsi con il capitano della polizia James Gordon e il procuratore distrettuale Harvey Dent (destinato a diventare Due Facce, uno dei più temibili nemici dell'Uomo Pipistrello) contro la criminalità organizzata capitanata dal boss della malavita Carmine Falcone. Batman e i suoi alleati inoltre si ritrovano a fermare un misterioso serial killer che si fa chiamare Holiday che partendo dal giorno di Halloween ha preso di mira proprio la famiglia Falcone compiendo i suoi omicidi durante i giorni festivi. Ogni capitolo del fumetto rappresenta un mese dell'anno e una festività.

Jeph Loeb, che in passato ha lavorato nel cinema, omaggia in maniera esplicita la saga de Il Padrino di Francis Ford Coppola attraverso le illustrazioni di Tim Sale il cui stile distintivo si manifesta con ombre profonde, linee decise e una palette di colori che accentuano il tono cupo e noir della narrazione.

Non è tutto perfetto perchè tra colpi di scena, sospetti e rivelazioni alcune cose non sempre sembrano tornare però si tratta indubbiamente di un'opera unica e affascinante che combina abilmente azione, dramma e suspense. Una lettura essenziale per i fan di Batman e dei fumetti in generale.

Fumetti

Batman: Anno Uno

Frank Miller, David Mazzucchelli

Sebbene sia cresciuto con i fumetti dell'Uomo Ragno e dei supereroi della Marvel pubblicati in Italia negli anni settanta dalla Editoriale Corno, il personaggio a fumetti che più di ogni altri ho sempre trovato affascinante è Batman, il vigilante oscuro e misterioso della Dc Comics.

Creato da Bob Kane e Bill Finger nel 1939 sulle pagine di Detective Comics #27, Batman, nel corso degli anni, ha subito diversi cambiamenti e trasformazioni per adattarsi ai mutamenti dei gusti del pubblico e rimanere al passo con i tempi. A metà degli anni ottanta la DC Comics mise in atto quella che ad oggi è considerata l'opera di rilancio e svecchiamento dei suoi personaggi più significativa. Batman venne affidato a Frank Miller, all'epoca l'autore più importante del panorama fumettistico statunitense, che si era già fatto notare per un acclamato ciclo di storie sul personaggio di Daredevil della Marvel e sopratutto per aver raccontato gli ultimi giorni di Batman nel capolavoro fumettistico "Il ritorno del Cavaliere Oscuro". A differenza di quest'ultima graphic-novel, in Anno Uno il compito di Frank Miller era quello di riscrivere le origini di Batman per renderle più attuali e moderne. Per questa storia Miller preferì occuparsi solo della sceneggiatura affidando i disegni a David Mazzucchelli, un disegnatore con cui aveva già collaborato in "Daredevil: Rinascita" della Marvel, dal tocco decisamente noir.

Batman: Anno Uno viene serializzata a partire dal febbraio 1987 nei numeri #404-407 di Batman, una delle principali serie regolari del personaggio, allo scopo di rivitalizzare la testata che all'epoca aveva avuto un calo significativo delle vendite. E' inutile dire che fu un successo e che in solo quattro episodi la coppia Miller/Mazucchelli fu capace di redifinire gli standard stilistici ed estetici dell'Uomo Pipistrello dando vita a una vera pietra miliare del fumetto americano. 
Se oggi qualcuno mi chiedesse un consiglio su un fumetto con cui iniziare a leggere Batman, senza esitazioni gli suggerirei Batman: Anno Uno.

La storia vede il ricco ereditiero Bruce Wayne tornare a Gotham City dopo anni trascorsi all'estero ad addestrarsi fisicamente e mentalmente per combattere il crimine. Il ricordo della perdita dei suoi genitori - uccisi in una rapina quando era bambino - è ancora vivido e Bruce smania di intraprendere la sua missione di vendetta e affermarsi come vigilante scegliendo il pipistrello come simbolo che possa incutere terrore nei criminali. Parallelamente arriva in città il tenente James Gordon, insieme a sua moglie Barbara incinta del suo primo figlio, determinato a ristabilire la legalità in una città infestata dalla criminalità, dalla malavita organizzata e dalla corruzione dilagante, anche nello stesso dipartimento di polizia. In questo scenario le strade di Batman e James Gordon si incontrano e, dopo una prima diffidenza, i due decidono di stringere un alleanza e lavorare insieme per combattere la crescente minaccia dei criminali che dominano Gotham City.

Batman: Anno Uno è un vero è proprio gioiello, un punto di riferimento imprescindibile per gli amanti di Batman e dei fumetti in generale che a distanza di anni conserva intatta tutta la sua potenza espressiva. Peraltro il fumetto è stata la fonte di ispirazione per il primo film di Christopher Nolan dedicato a Batman.

Io mi sono riletto questa storia in un bel volume pubblicato una decina di anni fa dalla Lion che contiene una introduzione di Miller e dei bozzetti di Mazzucchelli. In Italia la storia è stata presentata per la prima volta nel 1990 in due albi brossurati allegati alla rivista Corto Maltese che io conservo gelosamente nella mia libreria.
Nelle prossime settimane la Panini farà uscire una edizione economica in formato tascabile. Potrebbe essere l'occasione giusta per chi non lo abbia ancora letto.

Fumetti

Brivido e altre storie

Junji Ito

Considerato il maestro indiscusso del manga horror, Junji Ito, classe 1963, ha iniziato la sua carriera di mangaka negli anni ottanta affiancando questa passione al suo lavoro come dentista. Fin da subito le sue storie e il suo stile hanno riscosso un grande interesse in Giappone facendogli guadagnare premi e influenzando negli anni produttori di film, libri e manga horror. Ad oggi la sua produzione è vastissima e conta decine di fumetti, tra serie, volumi autoconclusivi e storie brevi.

Brivido e altre storie è un volume che raccoglie nove racconti di Ito, scelti e commentati dall’autore. Sono storie visionarie, grottesche, estreme, a volte nauseanti, pervase di un orrore corporale in cui i protagonisti diventano vittime predestinate di forze malvagie che vanno al di là della comprensione umana.

Tra le mie storie preferite ci sono "Palloncini appesi", "Lunghi sogni" e, per il senso di disgusto che mi ha provocato, "Gliceridi".
La prima è una storia apocalittica in cui un giorno dal nulla compaiono in cielo degli strani palloncini con le facce dei cittadini e un cappio appeso che vanno in giro per la città alla ricerca del loro corrispettivo umano per impiccarlo. In Lunghi sogni un uomo ricoverato in ospedale ha una strana malattia, ovvero quando dorme i suoi sogni e i suoi incubi sono sempre più lunghi fino a vivere un’eternità nello spazio di pochi istanti. Mentre Gliceridi è talmente disturbante e disgustosa che alla fine della lettura si sente l'irrefrenabile impulso di andare a farsi una bella doccia. La storia è quella di una famiglia che vive nel retro di una bettola. A causa della scarsa ventilazione, il cucinato e l'aria grassa si deposita in casa mentre il più grande dei fratelli inizia a bere litri di olio dalla bottiglia finché il suo viso non si ricopre di grandi e grottesche pustole.

Le storie di Ito sono davvero originali, bizzarre e inquietanti e questo è il volume perfetto per chi si approccia per la prima volta al maestro dell'orrore giapponese.
Temo che sarò costretto in tempi brevi a procurarmi altre sue produzioni.

Fumetti

Girl from the other side

Nagabe

Girl from the other side è un manga scritto e disegnato dall'esordiente Nagabe composto da undici volumetti.
É un manga atipico, una fiaba a tinte dark che sembra presa da un racconto dei fratelli Grimm. I disegni in bianco e nero molto contrastati sono suggestivi e conferiscono all'intera opera uno stile originale, quasi europeo, discostandosi nettamente dai soliti manga. Quando ho visto la copertina e ho iniziato a sfogliarlo ne sono subito stato rapito.
Volendo potremmo definirlo un fantasy medievale fiabesco che si svolge principalmente in una foresta, un villaggio e la roccaforte del re. Protagonisti sono Shiva, una candida, curiosa e solare bambina, e quello che lei chiama Maestro, una enigmatica e mostruosa creatura oscura che è stato colpito da una maledizione. Il Maestro ha un animo gentile e nutre un affetto sincero verso la bambina, stando bene attento a non sfiorarla, perché il solo contatto potrebbe riversare su di lei il terribile maleficio. I due vivono in una casetta in mezzo al bosco cercando di isolarsi dal regno "interno", dove gli esseri umani hanno trovato rifugio, e il regno "esterno", dove risiedono le creature del buio dall'aspetto bizzarro e animalesco.

Potrebbe sembrare un moderna variante sul tema de La Bella e la Bestia ma in realtà la storia parla del dualismo tra il bene e il male, la luce e il buio, la vita e la morte. Ha un ritmo molto lento e delicato, con pochi dialoghi. Le atmosfere cupe della fiaba vengono stemperate dal rapporto dolce, fatto di quotidianità e piccoli gesti tra i due protagonisti.

Il finale l'ho trovato poco chiaro, è vero che da delle risposte su chi siano e da dove provengono i due personaggi, ma francamente mi è parso un pò troppo cervellotico spaziando tra l'esistenziale e il filosofico.
Rimane un ottima lettura, dolce ed emozionante da apprezzare anche solo per la bellezza dei disegni.

Fumetti

La mia cosa preferita sono i mostri

Emil Ferris

La mia cosa preferita sono i mostri è un fumetto americano indipendente di oltre 400 pagine, scritto e disegnato dall'esordiente Emil Ferris nel 2017 e pubblicato in Italia dalla Bao un anno dopo.

L'autrice è una donna di 55 anni, omosessuale, che nel 2001 è stata punta da una zanzara che le ha trasmesso un terribile virus, paralizzandola dalla vita in giù, facendogli perdere l’uso della parola e della mano destra. Durante il suo lungo e faticoso percorso di riabilitazione, ha usato il disegno come strumento per riacquistare la mobilità delle mani, dando vita a questo piccolo capolavoro.
Il fumetto sembra disegnato su un blocco notes a righe, con illustrazioni realizzate principalmente a biro. Alcuni disegni sono abbozzati, mentre altri si rivelano dettagliati e iperrealisti, creando un intreccio di stili che, pur apparendo disordinato, trova un equilibrio sorprendente. L'opera è un miscuglio di generi, tra il diario grafico, il noir, e il romanzo di formazione.

La storia è ambientata alla fine degli anni Sessanta e vede come protagonista Karen, una bambina appassionata di film e fumetti horror, che si raffigura come un licantropo, metafora del suo sentirsi diversa dal resto del mondo. Quando un'inquilina del condominio in cui abita viene misteriosamente uccisa, Karen decide di indagare, trasformandosi in una piccola detective. Tra i suoi appunti si intravede il peso del passato e il trauma della Seconda Guerra Mondiale, svelato dalle confessioni dell’inquilina assassinata, che era una sopravvissuta all’Olocausto.

L'opera è in parte autobiografica e attraverso Karen, la Ferris esplora i temi dell'emarginazione, della diversità e della lotta per trovare un proprio spazio in un mondo che ti etichetta per ciò che sei e non per ciò che vuoi diventare.
La mia cosa preferita sono i mostri è un fumetto che sfugge a ogni definizione, singolare, intenso e profondamente personale.

Fumetti

Le città oscure: La torre

François Schuiten e Benoît Peeters

Aspettavo da tempo l'edizione in volume di questo piccolo capolavoro del fumetto franco/belga. Al tempo, all'inizio degli anni 90, lo avevo letto non completo nella rivista a fumetti L'Eternauta.

La torre è il terzo capitolo della serie Le città oscure, storie surreali ambientate ognuna in una diversa città fantastica di un misterioso mondo parallelo. 
Ispirato al quadro La Torre di Babele di Peter Brugel, la Torre vede come protagonista un uomo chiamato Giovanni Battista che vive in completa solitudine facendo da guardiano di uno dei livelli inferiori di una immensa e infinita torre che sembra estendersi fino al cielo e oltre. Un giorno, stanco delle pessime condizioni dell'edificio e dei continui crolli che non riesce più a riparare, decide di salire nei livelli superiori alla ricerca di qualcuno che lo possa aiutare.

I disegni, per lo più in bianco e nero (ma in alcune tavole sono a colori) sono di una bellezza unica. L'interno di questa immensa torre é disegnato in maniera iperdettagliata e lasciano senza fiato. L'opera è pervasa da un senso di malinconia e inquietitudine.

Mi piacerebbe recuperare altri volumi della serie ma mi pare di capire che molti sono ancora inediti in Italia.

Fumetti

Barbara

Juan Zanotto, Ricardo Barreiro

Ho preso questa serie di tre volumi della 001 Edizioni che raccoglie l'intero ciclo delle storie di Barbara, la bellissima eroina creata da Juan Zanotto e Ricardo Barreiro, apparse negli anni ottanta su LancioStory.

La storia è ambientata in un futuro imprecisato in cui la Terra è stata sconvolta da cataclismi e cambiamenti climatici generati da una razza aliena, gli Adri, che in questo modo intendono segretamente conquistare il nostro pianeta riducendo la popolazione in tribù primitive che ora li vedono come delle divinità. Tra le rovine di una Buenos Aires distrutta e ricoperta dalle acque e dalla vegetazione, troviamo Barbara, una giovane donna dal carattere ribelle che, dopo essersi difesa da un tentativo di stupro, viene cacciata dalla tribù di appartenenza, scoprendo la verità su coloro che sono in realtà gli invasori del loro mondo e diventando in poco tempo il capo dei ribelli.

Al di là della classica invasione aliena, uno dei temi più ricorrenti della fantascienza, appare evidente che la storia - così come era accaduto per il più celebre Eternauta di Oersterheld - sia solo un pretesto per lanciare un monito contro il governo dittatoriale argentino dell'epoca che muovendosi nell'ombra intendeva togliere la libertà alla popolazione.

I disegni in bianco e nero di Zanotto, uno dei più grandi artisti argentini, sono come sempre splendidi, spaziando con naturalezza dalle ambientazioni tecnologiche a quelle più naturali e floreali del mondo primitivo, esaltandosi nelle forme femminili e sensuali della protagonista.

Fumetti

La città

Juan Giménez, Ricardo Barreiro

Volume pubblicato dalla 001 edizioni che raccoglie la serie a fumetti degli argentini Ricardo Barreiro e Juan Giménez. La serie è composta da dodici episodi e in Italia è stata pubblicata per la prima volta nei primi anni ottanta sulla rivista Lanciostory.
La città è una delle opere più importanti dei due autori che si erano conosciuti a Parigi alla fine degli anni settanta, e dove entrambi si erano trasferiti a causa della dittatura nel loro paese.

La città immaginata da Barreiro e Giménez non ha vincoli di natura fisica, è un luogo paradossale, dove le regole della logica e della realtà non valgono. Jan, il protagonista, è insoddisfatto della propria vita. Una notte, dopo un litigio con la sua ragazza, si perde per le strade del suo quartiere. Vaga a lungo, e a poco a poco si rende conto di trovarsi in una città sconosciuta, un infinito agglomerato urbano pieno di pericoli. Non potrebbe neppure sopravvivere se non incontrasse Karen, anch’essa naufraga nella città ma con qualche esperienza in più. Insieme, vagano in questa scittà misteriosa, popolata da personaggi di fantasia e da uomini di altre epoche, alla disperata ricerca di una via d'uscita.

La Città è una metafora della disumanizzazione e l'angoscia nelle metropoli moderne dove si possono ritrovare echi dei racconti di Kafka, Lovecraft e ovviamente del connazionale Jorge L. Borges. Una lettura consigliata a chiunque ami la fantascienza e il fantastico supportata dalle brillanti e dettagliate tavole di Giménez.

Fumetti

Spider-Man: La storia della mia vita

Chip Zdarsky, Mark Bagley

Sono cresciuto leggendo i fumetti Marvel e Spider-Man è sempre stato uno dei miei personaggi preferiti. Anche perché Peter Parker, tra problemi economici, sensi di colpa, relazioni complicate e disastri assortiti, è probabilmente il supereroe più vicino alla vita reale. Tolta la parte in cui si arrampica sui muri, ovviamente.

Proprio per questo mi incuriosiva molto La storia della mia vita, miniserie scritta da Chip Zdarsky e disegnata da Mark Bagley. raccolta dalla Panini in un bel volume cartonato. L'idea è semplice ma brillante: raccontare l'intera esistenza di Peter Parker immaginando che il personaggio invecchi davvero con il passare del tempo. Niente eterna adolescenza, niente trent'anni trascorsi sempre con la stessa età e la stessa crisi sentimentale. Qui Peter parte dagli anni sessanta e arriva alla vecchiaia, accumulando rughe, lutti, rimpianti e, naturalmente, responsabilità. Perché da quelle non si scappa mai.

Ogni capitolo racconta alcune delle saghe più celebri di Spider-Man, durante il quale il nostro eroe non resta congelato nella sua eterna giovinezza editoriale, ma cambia, sbaglia, perde persone, si innamora, e alla fine invecchia.
Zdarsky conosce molto bene il personaggio e riesce a comprimere decenni di storie senza trasformare tutto in una sfilata di citazioni per nostalgici. Il problema è che sei capitoli sono davvero pochi per raccontare un’intera esistenza. Alcuni eventi scorrono a velocità supersonica, certi personaggi compaiono giusto il tempo di salutare e diversi momenti avrebbero meritato più spazio. A tratti sembra di leggere una sorta di bignami della vita passata e futura dell'arrampicamuri (si lo so, Bignami fa molto boomer, ma d'altronde non credo ci siano tanti giovani che leggono i fumetti al giorno d'oggi, quindi va bene così).

I disegni di Mark Bagley sono solidi, dinamici e perfettamente adatti al personaggio. Il suo Spider-Man è agile, elastico e immediatamente riconoscibile, mentre Peter cambia fisicamente con il passare degli anni. Il tratto resta però molto classico e funzionale: fa bene il suo lavoro, ma non sempre riesce a restituire tutta la malinconia e il peso emotivo della storia. Diciamo che accompagna il dramma senza mettersi troppo a piangere.

Spider-Man - La storia della mia vita resta una bella lettura, soprattutto per chi conosce già la storia editoriale del personaggio e può cogliere tutte le reinterpretazioni delle sue saghe più famose. È un fumetto nostalgico, dolceamaro e intelligente, che prova finalmente a rispondere a una domanda che le serie regolari evitano accuratamente: cosa succederebbe se anche i supereroi dovessero davvero invecchiare?

Non è capolavoro così come non è il volume che consiglierei di leggere a chi si vuole avvicinarsi per la prima volta alle storie del ragno. E' un omaggio sincero e ben costruito che si legge piacevolmente.

Fumetti

Neonomicon

Alan Moore

Lo scrittore britannico Alan Moore, l'autore di pietre miliari del fumetto quali Watchmen e V for Vendetta, è uno dei personaggi più eccentrici e geniali del panorama culturale contemporaneo. Appassionato di magia e occultismo, Alan Moore, nel 1994, scrive il Cortile, un breve racconto ispirato alle opere di H. P. Lovecraft, il controverso scrittore dell'orrore che nei primi del novecento rivoluzionò il genere letterario andando a creare un immaginario che ha influenzato generazioni di scrittori e di registi. L'orrore cosmico, le divinità di incubo e i luoghi fantastici di Lovecraft possono ritrovarsi tutt'oggi in una infinità di romanzi, film e videogames.

Nel 2003 lo scrittore Anthony Johnston e il disegnatore Jacen Burrows decidono di realizzare un adattamento a fumetti del racconto di Alan Moore pubblicato dalla Avatar Press in una miniserie di due albi.
La storia, ambientata ai nostri giorni, racconta le vicende si Aldo Sax, un agente dell'FBI che sta indagando su una serie di inspiegabili omicidi in cui le vittime sono state orribilmente mutilate. Utilizzando la sua innata capacità di individuare piccoli elementi insignificanti che gli permettono di collegare omicidi e persone che apparentemente non hanno nulla a che fare fra loro, Aldo Sax finisce in un locale alternativo chiamato Club Zothique dove conosce uno strano e ambiguo spacciatore chiamato Johnny Caracosa che gli fa provare una potentissima e misteriosa droga chiamata Aklo, un linguaggio perduto, attraverso il quale comprende la verità dell'universo e che inevitabilmente lo fa precipitare nel vortice della follia.

La storia è cupa e claustrofobica, i disegni puliti e onirici di Burrows, strutturati su delle tavole di due sole vignette a sviluppo verticale, enfatizzano quella rigidità e quel senso di disagio che pervade il lettore fin dall'inizio. Il mondo del protagonista è decadente e malato, vacilla nel proprio squallore trascinandosi in un viaggio allucinato fino all'annichilimento. Nel racconto di Alan Moore i mostri descritti da Lovecraft siamo noi. 

Qualche anno più tardi l'uscita della versione a fumetti de Il Cortile, Alan Moore, che in quel periodo non stava attraversando una buon momento dal punto di vista economico, ricevette una telefonata da William Christense della Avatar che gli chiese se era disponibile a lavorare per loro. Moore accettò proponendo di realizzare il sequel de Il Cortile, una miniserie di quattro albi intitolata Neonomicon. 

Il titolo è un evidente riferimento al Necronomicon, l'immaginario libro maledetto che secondo Lovecraft conteneva testi in grado di evocare antiche e ancestrali divinità.
La serie, disegnata sempre da Jacen Burrows, prosegue le vicende dove si sono interrotte ne Il Cortile. Protagonisti sono una coppia di agenti a cui viene assegnato il caso che stava seguendo Aldo Sax, il collega ora rinchiuso in un manicomio criminale perchè rimasto coinvolto in una serie di agghiaccianti omicidi rituali. I due agenti, una donna ninfomane e un uomo di colore, si mettono sulle tracce del loro predecessore rimanendo coinvolti nelle perverse macchinazioni di una setta dedita al culto di Dagon, una creatura primordiale affamata di sesso. 

Alan Moore parte dal presupposto che le storie raccontate da Lovecraft siano accadute davvero e che lo scrittore di Providence si sarebbe limitato a riportare nei suoi racconti quanto visto per avvisare l'umanità dell'esistenza di antiche e malvagie divinità. Nei nostri giorni il visionario mondo di Lovecraft viene venerato da seguaci, fanatici, movimenti pseudo-religiosi e gruppi punk rock che, nella loro debolezza umana, interpretano quell'orrore come una sorta di luce divina nella speranza che li possa sottrarre dalla loro squallida esistenza. 

In Neonomicon il sesso è presente in maniera esplicita e morbosa. Non avendo nessun vincolo imposto dell'editore, Moore si è lasciato andare scrivendo una disturbante storia dell'orrore dove la componente sessuale, sadica e violenta, è la chiave di volta attorno alla quale ruota tutta la sua narrazione. Secondo Moore l'orrore ancestrale e le creature mostruose descritte da Lovecraft sarebbero delle inconsapevoli metafore dell'erotismo deviato dell'autore che, come descritto in alcune biografie, nel corso dell'infanzia veniva obbligato dalla madre a vestirsi da bambina ed ebbe in età adulta non pochi problemi con le donne.
L'episodio dell'orgia e dello stupro ha suscitato notevole polemiche negli Stati Uniti. Una ragazzina che ha letto il fumetto di Moore è rimasta turbata e disgustata dai contenuti espliciti presenti all'interno dell'albo al punto che la famiglia ha mobilitato una televisione locale creando un caso mediatico contro questa pubblicazione. 

Al di là del solito bigottismo tutto americano, Neonomicon è una lettura consigliata a un pubblico adulto in cui Alan Moore modernizza l'opera di Lovecraft rendendo più diretta ed esplicite le fobie e le perversioni dell'autore a cui unisce le sue particolari ossessioni andando a generare un opera morbosa e crudele illustrata dal tratto elegante e realistico di Jacen Burrows.

In Italia Neonomicon insieme a il Cortile è stato pubblicato per la prima volta dalla Bao Publishing nel 2011 in una edizione dal formato ridotto mentre più recentemente, nel 2016, è stata riproposta dalla Panini in un volume cartonato della linea 100% HD che anticipa il primo capitolo di Providence in cui l'autore di Northampton si addentra ancora di più nell'oscuro mondo di H.P. Lovecraft.

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